"La función por hacer", un buen título y un buen desafío

Portada del programa de la obra

De nuevo en El Pavón Teatro Kamikaze.

Hemos visto "La función por hacer", parece que fue la primera pieza de Kamikaze Producciones y que tuvo mucho éxito.
En otra de sus "salas", en el Ambigú del teatro Pavón, el bar del teatro, con su barra y todo, pero donde ahora, al menos de momento, no se toman copas.
Te sientas y los actores actúan como entre el público. Pegados a ti.
Ya sabéis que a nosotros nos gusta la primera fila porque ves a los actores del todo, los gestos, el sudor, todas las expresiones de la cara, además parecen más personas de verdad que cuando estás más lejos... pues en el Ambigú del Pavón Teatro Kamikaze esto va un poco más allá. Casi no hay espacio para que actúen... están contigo... Impacta.
Al menos en esta obra que hemos visto, "La función por hacer".

En la web del teatro cuando presentan la obra hablan de "la austeridad escenográfica y el trabajo con la palabra...". Tal cual. Estrictamente cierto.
Creo que usan un banco y el vestuario es como el del público. Me gustaría saber si se cambian cuando llegan al teatro o usan su propia ropa, al menos algunos de los personajes. De hecho vimos llegar al teatro a uno de los actores y tengo la impresión de que iba vestido igual que en la representación.
Pero todo esto no penséis que lo estoy diciendo como una crítica, lo comento porque me parece asombroso lo que impresiona luego la obra. Sólo con la palabra y con el trabajo de los actores, sin más.

La obra es una versión libre de "Seis personajes en busca de autor" de L. Pirandello, que de alguna manera nos suena a todos, aunque ni recordemos nada más.

Hay dos actores ensayando una obra, parece, aunque hasta que te enteras crees que son dos actores representando la vida real... y de repente aparecen otros y se empeñan en contarnos su historia, que según ellos es más verdad que la que nos están contando los actores a los que interrumpen... En realidad los que han irrumpido no son actores, son "personajes", y claro, para ellos no existe otra historia que la suya...
Un galimatías, sí, pero lleno de sentido.

Todo lo que pasa el resto de la representación es de una intensidad bárbara. Cada personaje, sobretodo algunos, intentando contar su drama y explicar su comportamiento. A la vez los actores disputando el protagonismo con los personajes... el público sin saber a qué atenerse y sintiéndose preguntado.
Y eso sin hablar de la historia de verdad que nos van contando a trozos los personajes, el amor que acaba, que empieza, que cada uno lo interpreta a su manera, la necesidad de tener hijos, el dolor intimo que no cesa y vuelve loco...

Los actores, como os podéis imaginar están muy bien, pero que muy bien.

Hay otra cosa que me gusta  y es ese afán por cuestionarse a sí mismo, del teatro, de los actores, incluso de los que sólo somos espectadores.

En el programa aparece un párrafo de un discurso de L.Pirandello, que empieza así: "El teatro no puede morir. Forma parte de la vida misma: todos somos sus actores. Y aunque fueran abolidos y abandonados los teatros, el teatro seguiría en la vida, insuprimible..."

Simplemente: que si podéis vayáis a verla.

En el siguiente enlace tenéis el video promocional, si queréis, aunque es una grabación de la obra cuando se estrenó hace unos años. Algunos actores han cambiado y el escenario no es el Ambigú del Pavón Teatro Kamikaze. Ahora el espacio es mucho más reducido y más cerca del público.
Video promocional de "La función por hacer"

"Incendios", una tragedia no muy lejana, de Wadji Mouawad

Portada del programa de la obra

"Incendios" ha terminado en Madrid y empieza una gira por varias ciudades españolas. Id a verla.

Me resulta difícil escribir sobre esta obra, pero no quiero dejar de hacerlo porque es una obra de las importantes. Con esa sensación salí del teatro.

Empieza de una forma extraña.
Un poco a trompicones te vas enterando de que dos hermanos gemelos asisten a la lectura del testamento de su madre, Nawal Marwan, que acaba de morir.
Al menos uno de ellos no tiene el menor interés. Está irritado con su madre. Cree que ellos no le han interesado nunca, si no, no se explica que haya pasado los últimos cinco años sin hablar con nadie, sin pronunciar una sola palabra.
Al abrir el testamento tampoco encuentran una explicación, encuentran tareas, sobretodo dos sobres para entregar a su padre, que creían muerto, y a un hermano del que no sabían ni que existía... La hija se obsesiona con intentar comprender aquel silencio de su madre y esa obsesión le acaba llevando a un país lejano y extraño, pobre y en conflicto permanente, la tierra de su madre.
En esa tierra desconocida va desentrañando la verdadera historia de Nawal.
Una historia que nos parece de película  porque esa dureza nos parece imposible desde nuestra cómoda situación.
Una mujer, en una rígida sociedad de un pequeño pueblo libanés, que se enamora del hombre inadecuado y es obligada a abandonar a su hijo, que no se resigna a no saber leer, que no acepta lo que le imponen y que al final en un mundo de guerra y violencia constante casi... desaparece, pero no, Nawal sobrevive. Y de alguna manera empieza otra vida en otro continente, lejos de su tormento, pero sin olvidarlo ni un instante.
Una tragedia. Una tragedia pura.

Al principio de la obra te lías un poco porque se mezclan las historias, se mezclan los tiempos, he leído por ahí  "se solapan las escenas", y es así lo que pasa en la obra, pero en un momento dado es como si todo lo que has visto cobrará sentido. Además un sentido hondo, muy hondo.

Al día siguiente leyendo el periódico me quedé impresionada por una noticia sobre una madre guineana que parecía otra obra de teatro como la que acababa de ver, pero no lo era, era una noticia real.

He leído... "Incendios, una pieza feroz que explora los tormentos y traumas generados por las guerras contemporáneas..." Qué adjetivo tan apropiado para algunas vivencias: "feroz".

El trabajo de todos los actores está muy bien, pero además durante toda la obra se siente como un esfuerzo colectivo, algo que pesa, que duele, que agota y que acaba en una escena final magistral y preciosa con todos los personajes sentados juntos, derrotados, vulnerables, cubriéndose de la lluvia con un plástico.

Os pongo una foto para que os hagáis una idea.

Imagen de "Incendios". Foto de una imagen de la revista Prográmate,   

Como veis la mayoría de los actores son caras bastante conocidas, sobretodo una, Nuria Espert.
La había visto actuar hace muchos años y me parecía siempre demasiado afectada, exagerando en exceso todo el tiempo.
Ahora me ha parecido espléndida. Será la edad. (La suya... y la mía, supongo).
El otro actor mayor, Ramón Barea, hace varios papeles. Siempre resulta creíble, da gusto verle.
Y a mí me gusta especialmente Laia Marull, que además en esta obra interpreta el personaje clave, en mi opinión.
Si os apetece, en el vídeo promocional podéis verles y oír sus voces.
Vídeo promocional de "Incendios"

El director de la obra es Mario Gas. Una personalidad que está siempre ahí, desde hace años y años, dirigiendo teatro, dirigiendo opera, actuando, doblando...

Y claro, está el autor de la obra: Wajdi Mouawad.
He empezado a escribir esto queriendo hablar de él y se ha ido quedando para el final.

Hablamos muchas veces de qué parte del teatro es la más importante, el autor, el actor, la dirección, la escenografía... Es obvio y especialmente placentero para mí ver en muchas obras que el conjunto es lo que las hace grandes, y entiendo que eso debe ser así. Pero en este caso el autor de la obra es relevante, muy relevante.
"Incendios", "Incendies" es una obra de Wajdi Mouawad, escritor, actor y director de teatro canadiense, nacido en Líbano, desde donde salió a los ocho años con su familia, a causa de los conflictos que asolaron el país. Una destacada trayectoria en los últimos veinte años en Canadá y en Europa.
Esta obra forma parte de una tetralogía escrita y dirigida por él: "Le sang des promesses: Forêts, Littoral, Incendies, Ciels"
Creo que para los que no lo conocíamos conviene tenerlo en cuenta para leer sus libros o ver su teatro e incluso alguna adaptación al cine.
Algunos creen que es el rey de la tragedia contemporánea, que sus obras teatrales suelen dejar un impacto duradero en la mente y el corazón de quien las ve...
Nuria Espert dice sobre él... "es un hombre lúcido, un gran poeta y ve la realidad como si la viera desde otro planeta. Eso le permite enseñarla en toda su crudeza..."
Os pongo un enlace a su web oficial, por el curioso aspecto de la web, y por la comparación que plantea entre un artista y un escarabajo...
Web oficial de Wajdi Mouawad

Escenario de la obra antes de comenzar

El Pavón Teatro Kamikaze: una alegría

He estado un montón de veces en el Teatro Pavón antes de convertirse en "El Pavón Teatro Kamikaze". Nunca me ha gustado mucho la sala, era como anticuada, demasiado decadente, siempre con una luz tristísima en el patio de butacas antes de empezar la función.  

Por eso me llevé una gran sorpresa cuando me enteré de que la compañía Kamikaze lo iba a convertir en "su teatro". Todo lo que he visto o leído sobre "los kamikazes" hasta ahora, choca bastante con esa imagen de anticuado y decadente.

Pero claro, había que ir y ver, y allí fuimos y seguiremos yendo.

A mí me interesa mucho el hecho en sí: un grupo de gente del teatro asume un riesgo añadido a los que asume normalmente y abre un teatro propio. Tiene un valor incalculable.

Entrada a El Pavón Teatro Kamikaze

Entrada a El Pavón Teatro Kamikaze

Han hecho algunos cambios en la sala principal que se notan.
Y están programando actividades en cuatro espacios diferentes dentro del teatro que de momento no conozco, pero que ya os iré comentando.

Antes de empezar la obra salieron al patio de butacas sus "impulsores" a dar la bienvenida al público y a presentar su nueva aventura. Perfecto.
(Uno de ellos es Miguel del Arco, que acaba de hacer ahora también su primera película)

Escenario de "Idiota" antes de empezar la obra desde la primera fila

En esta primera vez estuvimos viendo "Idiota", dirigida por Israel Elejalde (otro de los impulsores del teatro)
Quizás porque mis expectativas eran muy altas, por ser el  estreno con el que empezaba el nuevo teatro, porque Israel Elejalde me gusta mucho como actor, no sé por qué, pero me supo a poco.

En la prensa dicen que empieza siendo una comedia. Yo creo que de comedia tiene muy poco o nada; sobretodo es una conversación entre dos personas de lo más tensa.
Plantea una situación  que podría ser real, un padre de familia con graves problemas económicos, y lo lleva a situaciones límite que consiguen desazonarte.
Supongo que es el objetivo, pero me sobraron muchos gritos y gran parte de la tensión.

Toda la acción se desarrolla en una especie de despacho. El escenario es como un cubo, con sensación de hermético... Adecuadísimo para contribuir a la tensión...

Os adjunto el enlace al teatro por si queréis ver sus planes:
 El Pavón Teatro Kamikaze

Parece que la teatrera agradecida no ha muerto

Mis seguidores más cercanos y yo misma empezábamos a dudar de si la teatrera agradecida seguía con vida...

Pantano de Valmayor ,en Madrid,  octubre 2016

Nuestra "temporada teatral" empezó puntualmente a primeros de septiembre, pero pasar mis impresiones de mujer del público al blog me ha costado más de la previsto.
Este parón del verano me ha hecho replantearme de nuevo todas las cuestiones que me planteaba antes de empezarlo. Todas pueden resumirse en una: ¿tiene sentido, es de alguna utilidad para alguien que no sea yo?

Algunos que me quieren parece que lo echan de menos... pero no parece muy adecuado tomar decisiones en función de esas apreciaciones no  muy objetivas, ¿no? ¿o sí?

Como os podéis imaginar si estoy escribiendo esto es porque he decidido continuar con mi blog sobre lo que veo en los teatros de Madrid.  Sobretodo porque me da mucho gusto cuando os cuento lo que veo.

Hasta pronto.

Matarranya Intim

Esto es un aviso para los que estéis este próximo fin de semana cerca de Fuentespalda, un pueblo de Teruel en la Comarca del Matarranya, en el Bajo Aragón. 

Portada Programa

Podéis ver "Artes escénicas en el interior de las casas del pueblo". 
Un concentrado de actuaciones a lo largo del fin de semana para grupos pequeños en distintos lugares del pueblo.

Para mi, otra manifestación de estas cosas llamativas que hace la gente del teatro y que me admiran por el impulso que muestran.

En el siguiente enlace tenéis la programación detallada.
Programación Matarranya Intim 2016

"Testigo de las ruinas" en Frinje16 Madrid

La sensación primera de casi todo lo que hemos visto de Frinje16 es que son cosas extrañas, espectáculos que al acabar te dejan con una sensación rara, que no sabes muy bien cómo definir. La mayoría de ellos, trabajos muy personales, con muy poca o  nula escenografía.

Folleto Frinje16

Pero a la vez, el asistir varios días seguidos a un evento de este tipo, resulta muy entretenido y motivador. Ver gente que dedica su tiempo y su trabajo a propuestas que desde luego en estos momentos no son comerciales, pero en las que ellos creen... es reconfortante.

Los diferentes trabajos de este festival estaban agrupados en "Pasado", "Presente" y "Futuro".

Según el folleto informativo en el itinerario de "Pasado" han reunido "los trabajos de diferentes compañías que vuelven la mirada atrás para reflexionar sobre la construcción de nuestro presente: toda una serie de viajes a nuestra memoria más íntima y personal que nos ayudan a comprender nuestras raíces y cambios sociales".

Dentro de la parte de "Pasado" quiero comentar "Testigo en las ruinas" de Mapa Teatro. 

Este proyecto representa una reflexión sobre la construcción del presente de una ciudad, Bogotá. 

Durante años parece que los artistas se dedicaron a grabar cómo tiraban un barrio emblemático, en el centro de la ciudad, El Cartucho. Grabaron cómo las máquinas destrozaban todos los edificios, y lo más sorprendente, cómo a la vez montones de personas se dedicaban a escarbar entre los escombros, recoger y vender los materiales del destrozo y así sobrevivir... 

El espectáculo muestra las grabaciones a través de tres pantallas móviles. Son como imágenes sueltas de un documental. 

A la vez, la última habitante de El Cartucho, Juana Ramírez, prepara en el escenario arepas y chocolate,  parece que era lo que hacía los últimos años en el barrio para ganarse la vida. Esta mujer no dice nada, sólo va cocinando y de vez en cuando mira a las pantallas en las que ella y sus vecinos aparecen. 

Es un documento impactante de uno de los muchos sucesos "urbanísticos" que deben pasar en el mundo día a día, pero que te impresiona por la miseria apabullante que refleja ... El barrio era uno de tantos barrios antiguos de ciudades que se van deteriorando, donde abunda el trapicheo y los formas "alternativas" de buscarse la vida y decidieron eliminarlo para construir en su lugar un parque gigantesco, anodino y vacío... Durante la demolición las máquinas excavadoras conviven con la gente que intenta recoger todos los restos posibles, con gente que vive acampada entre los escombros, con la policía intentando controlar el acceso de la gente...

Uno de los creadores decía al principio que el proyecto era un acto de resistencia frente al olvido porque realmente ese barrio formaba parte de la historia de la ciudad y de repente se hizo desaparecer, era un tipo de arquitectura, quizás no especialmente valiosa pero era la historia de la ciudad y de parte de sus habitantes, y se derribó. Tal cual.

Los creadores, Mapa Teatro, es también una cosa curiosa para los que no formamos parte de este mundo. Dicen que es un laboratorio dedicado a la creación artística transdisciplinar, con sede en Bogotá desde 1986, "artistas visuales y escénicos colombianos".

Una vuelta por Frinje16

Folleto del festival

Esto es sólo una llamada para los que vivís o pasáis estos días por Madrid. 
Es la V edición de este Festival que organiza el Teatro Español en Matadero Madrid.

Se pueden ver muchas propuestas muy curiosas, innovadoras, de creadores de un montón de países.
Además de representaciones hay laboratorios escénicos y muchas actividades en paralelo que resulta, como conjunto, muy interesante.

Todo ello se desarrolla en las Naves de Matadero Madrid que es un sitio que merece la pena por sí sólo.

Ya os iré contando algunas cosas que estamos viendo...

Web del Festival frinje16

Teresa de Jesús y Emily Dickinson, Irene Escolar y Silvia Abascal en "La habitación luminosa"

Una arriesgada originalidad: "Alma y Cuerpo",  una obra que en realidad son dos, separadas e independientes. La que hemos visto se llama "La habitación luminosa" y la otra es "La hora oscura"

"Danza, Poesía y Teatro, sobre textos de Teresa de Jesús y Emily Dickinson". No tenía ni idea de lo que nos íbamos a encontrar. 

En el programa apuntan que han querido "poder hablar de lo que más les impactó de estos genios creadores: el refugio interior de La habitación luminosa como único espacio posible de la mujer a la hora de crear"...

Esquina izquierda del escenario antes de empezar la obra

Al entrar en el teatro el escenario estaba oculto totalmente, por un "telón" de metal negro, con una puerta cerrada en el centro. Había una frase escrita en el metal: 

"Si tengo la sensación física de que me levantan la tapa de los sesos, sé que eso es poesía"

         Emily Dickinson 

Se abre la puerta de metal y sale Irene Escolar con un corpiño color marfil y una falda como de organza que le trasparenta las piernas, es Teresa de Jesús muy jovencita, y habla desde muy cerca a los espectadores, con convicción. Se va. Y sale Silvia Abascal. Es Emily Dickinson con un vestido blanco encantador pero mucho más austero. Parece una mujer más frágil. 
Después de conmovernos las dos con su presencia tan natural y cercana (estamos en primera fila) cierran la pequeña puerta, sube la pared de metal y ya tenemos todo el escenario a la vista.
La escena siguiente es sorprendente, desde una de las esquinas del escenario dos mujeres entran arrastrándose por el suelo en una danza perturbadora, una de ellas es Teresa de Jesús. A la vez, Emily Dickinson se sienta dócil en una silla al fondo del escenario.

A partir de entonces se van sucediendo escenas en las que las dos actrices nos dicen sus poemas, no sé si es "decir", es como sacarlos del alma públicamente, de una manera que te invade y no te deja pensar en otra cosa. 

Además de ellas aparecen otros tres personajes, Muerte, Alma y Ángel, dos mujeres que bailan flamenco y danza contemporánea y un hombre que canta, entremezclándose con las protagonistas y consiguiendo una historia con sentido.

Irene Escolar está soberbia diciendo como Teresa de Jesús... "Vuestra soy, para Vos nací, ¿qué mandáis hacer de mí?...¿qué mandáis hacer de mí?..." una actriz casi en trance, totalmente entregada a cada una de las palabras que dice. Verla actuar desde tan cerca emociona. 
Creo que esta actriz tiene algo diferente, excepcional. La hemos visto esta temporada también en "El público", en un papel extraño y difícil y por el que estuvo nominada a los Premios Max de las Artes Escénicas como mejor actriz de reparto. 


Para mí ha sido una experiencia intensa, de las que sales trastocada.

La obra consigue una presencia viva de dos mujeres muy distintas, que vivieron mundos muy separados, la España del siglo XVI y el Massachussetts del XIX... pero parece que comparten haber vivido en una pequeña sociedad cerrada, muy religiosa y estricta, sobretodo para las mujeres.
Y aunque tanto Teresa como Emily tuvieron acceso a una formación a la que la mayoría de las mujeres ni se acercaban, su parte creativa debía quedar reservada a lo íntimo, "al refugio interior"...


En el enlace con la web del Teatro Español que os pongo a continuación podéis escuchar un audio de la obra. Es imprescindible que lo oigáis. 
(Lo encontraréis al final de la página, junto a las fotos)

Breve audio de "La habitación luminosa"

Portada del programa de la obra

Interior del programa de la obra

Me siento especialmente agradecida a los que han ideado este proyecto, esta apuesta tan arriesgada: José Manuel Mora (Dramaturgia) y Carlota Ferrer (Dirección)

"Ópera para secadores", de la Compañía francesa Blizzard Concept, en el Teatro Circo Price

Sólo un comentario breve para contaros un espectáculo curiosísimo que hemos visto, sobretodo por si tenéis la oportunidad de verlo.

Te hace reír, te asombra. Quizás es demasiado corto, dura una hora.

Dicen que "...mezcla el teatro, los malabares y la nueva magia...", es todo de una sencillez pasmosa, pero luego te deja atónito. Y de repente, sin casi elementos, crean unas imágenes bellísimas en el escenario.

Parte interior Teatro Circo Price

En la pista del Teatro Circo Price dos "malabaristas-clowns" franceses y muy pocos elementos. Al principio sólo unas bolas blancas como de poliespan que flotan y se mueven solas, como que se quieren caer, claro, pero algo las sujeta en el aire... un momento después aparece el protagonista del espectáculo, ¡el secador!, y todo continúa con más secadores, más bolas, algunos globos...

Los actores hablan muy poco, pero les entiendes perfectamente.

Aparte de pasar un rato muy agradable te da ese gusto añadido de ver que hay gente dedicando mucho esfuerzo a hacer cosas originales y aparentemente simples. 

A mí eso me fascina.

En el siguiente enlace podéis ver la imagen con la que anuncian la obra, (no he conseguido encontrar ningún vídeo que os dé una idea...)

Al ver la imagen casi no se entiende pero la realidad es que el actor lleva un montón de secadores pegados al cuerpo que hacen que las bolas blancas se mantengan en el aire... para llegar hasta ahí nos hicieron reír...

Una de las imágenes sorprendentes de la obra

Aitana Sánchez-Gijón y "La Rosa Tatuada" de Tennessee Williams

Programa de la obra

Este domingo hemos visto algo dulce.

Sin querer me ha salido este adjetivo, no me lo esperaba. 

Si pienso un poco más me sale "envolvente". 

Al entrar en la sala te encuentras con el escenario de la fotografía que veis más abajo, una casa. 

En cuanto empieza la obra la casa y los alrededores se llenan de vida, de actividad. 

Al fondo una pantalla gigante con una imagen en movimiento que nos sugiere el atardecer en una calle o una carretera del sur de Estados Unidos. Varios personajes van hacia algún sitio, sonidos y músicas de barrio pequeño, parece que hace mucho calor...

Se acaba la jornada y Serafine Delle Rose, (pronunciando la "s" como sedosa, como en italiano), una costurera siciliana que hace mucho tiempo salió de su añorada Italia, espera a su marido en la puerta de casa, como cada día arreglada para la ocasión, porque su marido, Rosario, es la razón de su existencia.

Su marido conduce un camión de plátanos, o al menos eso parece. 

La dueña de la casa, Aitana Sanchez-Gijón, te cautiva desde que aparece en escena con un vestido perfecto, de una tela deslizante tipo raso, con algunas rosas grandes sobre un fondo rosa pálido, un vestido barato seguramente, pero parece hecho sólo para ella. Lleva unos zapatos de tacón alto y fino con una soltura maravillosa. Está imponente. 

Y desde ese mismo momento hasta el final de la obra te mantiene atrapado. Un gusto.

La actriz es una mujer guapa y con una elegancia natural que se le nota en todo, pero este personaje le resalta y engrandece. Serafine es una mujer sin recursos, sin posibilidades, y durante gran parte de la obra, una mujer hundida, pero a pesar de todo, preciosa, elegante y turbadora. 

Es evidente que pienso que sin Aitana la obra no sería la misma, es la pieza clave. Pero es verdad también que todo a su alrededor está en consonancia, los actores, la escenografía, (me impactó cómo ese escenario que veis se transforma y nos muestra varias habitaciones de la casa), la versión de la obra hecha por Carme Portaceli, con un montón de frases intercaladas en italiano, que los actores manejan de maravilla, el montaje de vídeo para determinadas escenas que colabora y se integra con todo a la perfección...

No sé qué puedo decir más, me gustó mucho. Una obra completa.

Escenario antes de empezar la obra

Me impresiona pensar en lo difícil que debe ser conseguir que una obra de teatro quede como un todo perfecto, supongo que muchas veces ese pequeño añadido que la hace "completa" es cuestión de suerte y coincidencia, no sé, quizás... como dicen los expertos ese pequeño añadido varía en cada representación y todavía más... ¡en cada espectador!... ¡qué empresa tan arriesgada esto de hacer teatro! (y no estoy haciendo un chiste) 

Realmente me sorprende cuánta gente se dedica a esto y cuántas apuestas diferentes podemos encontrar, porque desde luego un mundo fácil no debe ser...

Si os apetece ver algunas imágenes de la obra:

Video Promocional de "La Rosa Tatuada"

"Reina Juana", la gran desconocida

"No he querido formar parte del mundo de los cuerdos"

Esta frase es la que aparece resaltada en el programa de la obra.
Por supuesto la dice el personaje, pero además, de una manera o de otra se insiste en ella a lo largo del texto. 
El personaje insiste también en que nunca quiso el poder máximo, que le correspondía y del que le apartaron su padre y su hijo, encerrándola en Tordesillas.
La realidad es que parece que llevó esta idea hasta sus últimas consecuencias pues el Movimiento Comunero la reconoció como soberana e incluso consiguió liberarla de su encierro, pero ella, que aparentemente les apoyaba, nunca quiso firmar ningún documento que legitimara la revuelta y que acabara con el reinado de su hijo Carlos.
Resumen de la historia: cuarenta y seis años encerrada, y Reina...

Escenario de la obra en el Teatro de la Abadía

Para mi, un montón de interrogantes. Un personaje infinito que yo creo que nos tiene intrigados. A estas alturas, incluso los que no son muy amantes de la historia, conocen un montón de detalles por las series y las películas, que lo único que hacen es intrigarnos todavía más. 
Yo quiero saber qué tenía en su cabeza... o al menos, recrearme en lo que se imagina alguien que haya estudiado al personaje. 
Y con esa expectativa fui al Teatro de la Abadía. La forma de la obra, un monólogo,  puede ser muy adecuada para expresar interioridades, reflexiones, sentimientos.

Pero aunque tiene momentos que me gustaron y el trabajo de la actriz creo que es bueno, se queda en contarnos de nuevo los hechos, y pienso que un monologo de Juana "la loca" puede dar mucho más de sí.

La actriz es Concha Velasco, se la ve muy mayor, y el trabajo que hace en el escenario es un esfuerzo grande, representando a una Juana de Castilla en su última etapa, que presionada por su hijo acepta confesarse, y habla y habla durante una hora y media.

El escenario, impactante, paredes de madera negra con una ventana que deja entrar apenas unas líneas de luz y una puerta gigante que la actriz abre de vez en cuando intempestivamente. Una cama, un reclinatorio y nada más.
Todo esto en la sala principal del Teatro de la Abadía, que para los que no lo conocéis es una pequeña capilla con las paredes pintadas de negro...

Se "intuyen" paredes y reclinatorio en el escenario

Hasta un cotilleo de la representación: el día que fuimos nosotros al teatro estaba entre los espectadores Nuria Espert, a la que Concha Velasco quiso saludar públicamente al terminar la obra, felicitándola por el Premio Princesa de Asturias que le acababan de dar y comentando el honor que para ella suponía que una actriz que ella había considerado siempre "una maestra" estuviera alli...

Cosas de los famosos...

Una comedia de Shakespeare en la Sala Verde de Los Teatros del Canal

Escenario de "Trabajos de amor perdidos"

Sólo una nota breve para contaros que la semana pasada vimos una comedia de Shakespeare, "Trabajos de amor perdidos". Dicen que es una de las primeras obras del autor, que la escribió hacia 1595.

Un entretenimiento que te hace reír de vez en cuando. A mi me resultó un poco larga.
No tenía ni idea de que Shakespeare hubiera escrito este tipo de obras.

Es una colaboración entre la Fundación Siglo de Oro y el Shakespeare´s Globe Theatre.

Un historia un tanto ridícula sobre el Rey de Navarra y tres de sus caballeros que deciden evitar el contacto femenino durante tres años para dedicarse al estudio y a la erudición... Como os imagináis les resulta imposible...

Mientras la estaba viendo pensaba todo el tiempo que estaba en una comedia de enredo de los clásicos españoles de aquellos tiempos.

El escenario, como veis en las fotografías, era un montaje curioso y bonito, en el que conseguían simular, la salas del palacio del rey, la cárcel, los bosques de alrededor...

Aprovecho para poner unas fotos de la Sala Verde de Los Teatros del Canal. 

Este Teatro tiene dos salas modernas, impactantes, y muy cómodas para los espectadores, la Sala Roja y la Sala Verde. Mi favorita es la Roja, pero la Verde es muy curiosa.

(La Roja aparece en la presentación de este blog)

Escenario de "Trabajos de amor perdidos"

Sala verde de Los Teatros del Canal, Madrid

Sala verde de Los Teatros del Canal, Madrid

Quisiera hablar de Federico García Lorca

Programa de la obra

Hace días que quería contaros de "Así que pasen cinco años" de Federico García Lorca, pero no sabía muy bien por dónde empezar.
Realmente no he leído a Lorca, conozco de él lo que conoce la mayoría, creo. Sí he visto sus obras de teatro más conocidas en unas cuantas versiones, Yerma, Bodas de sangre, La Casa de Bernarda Alba...

Pero esta temporada hemos visto dos, diferentes, extrañas se podría decir. He leído que él las llamaba su "teatro imposible", ahora los expertos las llaman "teatro surrealista". Son "Así que pasen cinco años" y "El Público".

Cuando en noviembre vimos "El Público" creo que no me enteré de nada, te imaginas cosas porque en el programa te dice que nos invitan a "introducirnos freudianamente en la cabeza de Lorca en un momento crucial de evolución artística y de crisis personal del poeta y dramaturgo", pero...
El escenario del Teatro de La Abadía lo habían transformado totalmente, los espectadores de la primera fila a la altura de los actores, la mitad del escenario una colina de piedras por las que los actores andaban con dificultad, y todo alrededor una especie de cortina de tiras plateadas. Impactaban los actores-caballos, actores desnudos que se movían realmente como caballos. Bastantes escenas inquietantes, desconcertantes. Frases como "Ya se han inventado las camas para dormir con los caballos".
Un trabajo duro para los actores.
Y un trabajo duro para el escritor, y mucho más para el escritor en los años 30. Sólo puedo pensar eso. Imagino mucho más fácil dar rienda suelta a tu mente, a tus interioridades cuando haces poesía que cuando haces teatro. Hace falta valor para escribir estas obras, y mucho más en los años 30.

"Así que pasen cinco años", a la que parece que Lorca subtituló "Leyenda del Tiempo", me ha producido una sensación totalmente diferente, me ha pasado una cosa rara. Mientras estaba en el teatro me parecía que entendía todo, bueno, no sé, no me lo cuestionaba. Había algo que te llevaba, pienso que sobretodo eran las palabras, sonaban como una melodía, con ritmo, frases preciosas, sí, de las que da gusto oírlas, que casi parece que lo de menos es lo que significan, aunque eso nunca sea verdad. Y por supuesto los actores que las dicen y la acción. Podría decir que la obra me pareció animada, ¿alegre? No sé, desde luego la obra alegre no es...
Carmen Gallardo, actriz principal dice "Es como si el propio Federico se mirara en un espejo y plasmara todos sus miedos, a la verdad, a la realidad, y también a la muerte, y por lo tanto a vivir. Casi todos los personajes son sus fantasmas"...
He leído ahora el argumento en Internet y no he entendido nada, me daba la risa... De hecho me parece una tontería intentar extraer el argumento de una obra así. Hay que leerla, o verla, que es para lo que está escrita.

Os copio un fragmento de una conferencia de F.G.Lorca en Nueva York en 1929 sobre poemas de "Poeta en Nueva York", que aparece en el programa de "El Público":

"...De todos modos hay que ser claro. Yo no vengo hoy para entretener a ustedes. Ni quiero, ni me importa, ni me da la gana. Más bien he venido a luchar. A luchar cuerpo a cuerpo con una masa tranquila. Y yo necesito defenderme de este dragón que tengo delante, que me puede comer con sus trescientos bostezos de sus trescientas cabezas defraudadas. Y esta es la lucha; porque yo quiero con vehemencia comunicarme con vosotros ya que he venido, ya que estoy aquí, ya que salgo por un instante de mi largo silencio poético y no quiero daros miel, porque no tengo, sino arena".

Como todo esto es teatro los actores son una pieza clave, claro, y en este caso la compañía se llama Atalaya. Esta compañía andaluza parece que se dio a conocer a nivel nacional al estrenar en 1986 esta obra por primera vez en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, con un éxito enorme.
(Les hemos visto también hace unos meses en "Madre Coraje" de Bertolt Brecht, y nos pareció una representación impecable).
.

Os pongo los enlaces de los videos promocionales de las dos obras por si queréis tener una imagen.
Y también las páginas donde podéis encontrar más información por si os apetece.
Es interesante ver lo que hace la gente de Atalaya.

Vídeo de "Así que pasen cinco años"
Sobre "Así que pasen cinco años" y Atalaya

Video de "El Público"
Sobre "El Público" de Lorca, dirigida por Alex Rigola en el Teatro de la Abadía

La esperada "Numancia" de Miguel de Cervantes

Si, sí, tambíén voy a hablar yo de Cervantes.

La obra de Cervantes se llamaba "El cerco de Numancia", o "La Numancia". 

Esta obra de teatro es una versión de Luis Alberto de Cuenca y Alicia Mariño. 

Gola, o lo que suponemos que llevaba Miguel de Cervantes en su cuello

Un espectacular despliegue de medios, sobretodo mucho sonido y muy alto, y muchas imágenes, al principio incluso te pierdes entre imágenes y sonidos. Muchas actuaciones algo aparatosas y forzadas. 
Es verdad que es una tragedia y supongo que se quiere exagerar para impresionar, pero a mí me resultó demasiado. 

La historia es impresionante: los numantinos cercados durante años por los romanos, y sin posibilidad de negociar nada que no sea la rendición sin condiciones, deciden destruir su propia ciudad, matar a sus hijos y a ellos mismos para que cuando entren los romanos en la ciudad sólo encuentren... devastación...
Parece que no le hace falta nada a ese texto para resultar impactante, ¿no? 
Pero quizás por ser de Cervantes y en este año de homenajes se le ha querido adornar de tanto artificio que pierde fuerza. Te despista.

Respecto a los actores, me gustó especialmente, aunque hace un papel corto, Mélida Molina, como madre, su forma de decir y de moverse resultan sentidas y creíbles.
Pero no me gustó uno de los actores principales, Alberto Velasco, por demasiado estridente y repetitivo en toda su actuación. 

Respecto al texto de la versión, creo que le sobran las alusiones a nuestra realidad actual, no hacen la obra más interesante, ni más cercana.

Hay que decir que la vimos el día del estreno y supongo que hay muchas cosas que se van puliendo y mejorando día a día. 

Pero da pena que una obra que nos había generado tantas expectativas resulte como hueca. Creo que se podría decir eso tan tópico de que a veces menos es más.

Sí, María Pagés, ¿aunque no sea teatro?

Supongo que esto no entra estrictamente en un blog de teatro, pero quería comentarlo por si tenéis la oportunidad de verla. No dejéis pasar la ocasión, 

Programa actuación María Pagés en los Teatros del Canal de Madrid

Había oído hablar mucho de esta bailaora de flamenco pero nunca la había visto antes, y casi fui un poco a regañadientes pues tenía otras cosas de las que ocuparme y pensaba que tenían prioridad... Pero, resultó un rato excepcional. Me emocionó.

El principio parece un poco, no sé cómo decirlo, demasiado común, un baile con abanicos. Pero enseguida va cogiendo fuerza, ritmo y tiene momentos en los que te deja sin habla por la belleza de la coreografía, de verdad, una preciosidad.

Ella es un mujer grande, con algún movimiento puede dar la sensación que quizás demasiado grande, pero tiene algo cautivador. 

En "Yo, Carmen" bailan sólo mujeres, y por supuesto se nota que María Pagés es la protagonista, la principal, pero en muchas ocasiones eso queda totalmente difuminado, y eso me encantó también.

El espectáculo es el baile, claro, pero hay otras cosas igual de importantes, o más, no sé. 

La coreografía. También de María Pagés. A mí casi me pareció lo esencial. Consigue unas imágenes que son difíciles de explicar. Que emocionan. 

La música en directo, dos cantaoras y los músicos. Preciosa, adecuada. Entre ellos, un chelo... a veces tocando solo...que te llega al alma. También tiene algunos fragmentos de la ópera de "Carmen" que están grabados,  y que a mí no me gustaron tanto.

La letra. Poemas y cantes sobre mujeres. Y nos sorprende María Pagés cantando, o mejor dicho, narrando uno de ellos, irónico, actual. No sabría decir si es un rap o una chirigota de Cadiz (disculpas a los entendidos).

El vestuario. Sobretodo unas telas diferentes, pegadas al cuerpo de las bailarinas, para que se note todo. Y uno de los vestidos, muy especial, largo, larguísimo, con el que María juega de una forma casi perfecta.

Al final, estuvimos en el encuentro con el público de la artista. Sobretodo vimos a una mujer dulce, madura, fuerte. Dijo que esta Carmen no quería ser la Carmen de Merimée, quería ser cualquier mujer. Y otra cosa que me sorprendió, que en todas las versiones que se han hecho de la celebre "Carmen", ella nunca habla, en el sentido más amplio del término, siempre es otro el punto de vista que se relata... 

Para acabar sólo un trocito de "Alegrías de las amas de casa" de Belén Reyes, que se pueden oír en esta obra:

"Por no reventar

ya voy "reventaita"

Y vuelta a empezar sujetando el alma"

Si queréis echar un vistazo a la obra de la Compañía de María Pagés:

Canal en youtube de María Pagés

Un homenaje al grupo "Arte nuevo"

Hemos visto hace unos días una curiosidad, un par de obras cortas dirigidas por José Luis Garci: "Cargamento de sueños" de Alfonso Sastre, y "El hermano" de Medardo Fraile. 

Suelo de balcón 

Sí, suena extraño encontrarse a Garci dirigiendo teatro. Lo ha hecho rindiendo un homenaje a un grupo de teatro de la postguerra, "Arte Nuevo", que crearon en Madrid un grupo de jóvenes amantes del teatro, en 1945,  y que pretendía "la renovación total del teatro".
Querían hacer "teatro vanguardista", "que hiciera pensar". 
Después de algunos años "de accidentada vida" no pudieron hacer realidad su propósito de destruir el teatro comercial del momento, pero parece que nos dejaron "ciertas obras estimables que ellos mismos representaron, y el ejemplo de que era posible y necesario trabajar de otra forma en el teatro". Los nombres conocidos para mí de aquel grupo son Alfonso Sastre y Alfonso Paso, son los dos que continuaron escribiendo teatro, aunque por caminos muy diferentes.

Las dos obras de este homenaje se estrenaron en su momento en el salón de actos de un Instituto de Enseñanzas Medias de Madrid.