Teresa de Jesús y Emily Dickinson, Irene Escolar y Silvia Abascal en "La habitación luminosa"

Una arriesgada originalidad: "Alma y Cuerpo",  una obra que en realidad son dos, separadas e independientes. La que hemos visto se llama "La habitación luminosa" y la otra es "La hora oscura"

"Danza, Poesía y Teatro, sobre textos de Teresa de Jesús y Emily Dickinson". No tenía ni idea de lo que nos íbamos a encontrar. 

En el programa apuntan que han querido "poder hablar de lo que más les impactó de estos genios creadores: el refugio interior de La habitación luminosa como único espacio posible de la mujer a la hora de crear"...

Esquina izquierda del escenario antes de empezar la obra

Al entrar en el teatro el escenario estaba oculto totalmente, por un "telón" de metal negro, con una puerta cerrada en el centro. Había una frase escrita en el metal: 

"Si tengo la sensación física de que me levantan la tapa de los sesos, sé que eso es poesía"

         Emily Dickinson 

Se abre la puerta de metal y sale Irene Escolar con un corpiño color marfil y una falda como de organza que le trasparenta las piernas, es Teresa de Jesús muy jovencita, y habla desde muy cerca a los espectadores, con convicción. Se va. Y sale Silvia Abascal. Es Emily Dickinson con un vestido blanco encantador pero mucho más austero. Parece una mujer más frágil. 
Después de conmovernos las dos con su presencia tan natural y cercana (estamos en primera fila) cierran la pequeña puerta, sube la pared de metal y ya tenemos todo el escenario a la vista.
La escena siguiente es sorprendente, desde una de las esquinas del escenario dos mujeres entran arrastrándose por el suelo en una danza perturbadora, una de ellas es Teresa de Jesús. A la vez, Emily Dickinson se sienta dócil en una silla al fondo del escenario.

A partir de entonces se van sucediendo escenas en las que las dos actrices nos dicen sus poemas, no sé si es "decir", es como sacarlos del alma públicamente, de una manera que te invade y no te deja pensar en otra cosa. 

Además de ellas aparecen otros tres personajes, Muerte, Alma y Ángel, dos mujeres que bailan flamenco y danza contemporánea y un hombre que canta, entremezclándose con las protagonistas y consiguiendo una historia con sentido.

Irene Escolar está soberbia diciendo como Teresa de Jesús... "Vuestra soy, para Vos nací, ¿qué mandáis hacer de mí?...¿qué mandáis hacer de mí?..." una actriz casi en trance, totalmente entregada a cada una de las palabras que dice. Verla actuar desde tan cerca emociona. 
Creo que esta actriz tiene algo diferente, excepcional. La hemos visto esta temporada también en "El público", en un papel extraño y difícil y por el que estuvo nominada a los Premios Max de las Artes Escénicas como mejor actriz de reparto. 


Para mí ha sido una experiencia intensa, de las que sales trastocada.

La obra consigue una presencia viva de dos mujeres muy distintas, que vivieron mundos muy separados, la España del siglo XVI y el Massachussetts del XIX... pero parece que comparten haber vivido en una pequeña sociedad cerrada, muy religiosa y estricta, sobretodo para las mujeres.
Y aunque tanto Teresa como Emily tuvieron acceso a una formación a la que la mayoría de las mujeres ni se acercaban, su parte creativa debía quedar reservada a lo íntimo, "al refugio interior"...


En el enlace con la web del Teatro Español que os pongo a continuación podéis escuchar un audio de la obra. Es imprescindible que lo oigáis. 
(Lo encontraréis al final de la página, junto a las fotos)

Breve audio de "La habitación luminosa"

Portada del programa de la obra

Interior del programa de la obra

Me siento especialmente agradecida a los que han ideado este proyecto, esta apuesta tan arriesgada: José Manuel Mora (Dramaturgia) y Carlota Ferrer (Dirección)

"Ópera para secadores", de la Compañía francesa Blizzard Concept, en el Teatro Circo Price

Sólo un comentario breve para contaros un espectáculo curiosísimo que hemos visto, sobretodo por si tenéis la oportunidad de verlo.

Te hace reír, te asombra. Quizás es demasiado corto, dura una hora.

Dicen que "...mezcla el teatro, los malabares y la nueva magia...", es todo de una sencillez pasmosa, pero luego te deja atónito. Y de repente, sin casi elementos, crean unas imágenes bellísimas en el escenario.

Parte interior Teatro Circo Price

En la pista del Teatro Circo Price dos "malabaristas-clowns" franceses y muy pocos elementos. Al principio sólo unas bolas blancas como de poliespan que flotan y se mueven solas, como que se quieren caer, claro, pero algo las sujeta en el aire... un momento después aparece el protagonista del espectáculo, ¡el secador!, y todo continúa con más secadores, más bolas, algunos globos...

Los actores hablan muy poco, pero les entiendes perfectamente.

Aparte de pasar un rato muy agradable te da ese gusto añadido de ver que hay gente dedicando mucho esfuerzo a hacer cosas originales y aparentemente simples. 

A mí eso me fascina.

En el siguiente enlace podéis ver la imagen con la que anuncian la obra, (no he conseguido encontrar ningún vídeo que os dé una idea...)

Al ver la imagen casi no se entiende pero la realidad es que el actor lleva un montón de secadores pegados al cuerpo que hacen que las bolas blancas se mantengan en el aire... para llegar hasta ahí nos hicieron reír...

Una de las imágenes sorprendentes de la obra

Aitana Sánchez-Gijón y "La Rosa Tatuada" de Tennessee Williams

Programa de la obra

Este domingo hemos visto algo dulce.

Sin querer me ha salido este adjetivo, no me lo esperaba. 

Si pienso un poco más me sale "envolvente". 

Al entrar en la sala te encuentras con el escenario de la fotografía que veis más abajo, una casa. 

En cuanto empieza la obra la casa y los alrededores se llenan de vida, de actividad. 

Al fondo una pantalla gigante con una imagen en movimiento que nos sugiere el atardecer en una calle o una carretera del sur de Estados Unidos. Varios personajes van hacia algún sitio, sonidos y músicas de barrio pequeño, parece que hace mucho calor...

Se acaba la jornada y Serafine Delle Rose, (pronunciando la "s" como sedosa, como en italiano), una costurera siciliana que hace mucho tiempo salió de su añorada Italia, espera a su marido en la puerta de casa, como cada día arreglada para la ocasión, porque su marido, Rosario, es la razón de su existencia.

Su marido conduce un camión de plátanos, o al menos eso parece. 

La dueña de la casa, Aitana Sanchez-Gijón, te cautiva desde que aparece en escena con un vestido perfecto, de una tela deslizante tipo raso, con algunas rosas grandes sobre un fondo rosa pálido, un vestido barato seguramente, pero parece hecho sólo para ella. Lleva unos zapatos de tacón alto y fino con una soltura maravillosa. Está imponente. 

Y desde ese mismo momento hasta el final de la obra te mantiene atrapado. Un gusto.

La actriz es una mujer guapa y con una elegancia natural que se le nota en todo, pero este personaje le resalta y engrandece. Serafine es una mujer sin recursos, sin posibilidades, y durante gran parte de la obra, una mujer hundida, pero a pesar de todo, preciosa, elegante y turbadora. 

Es evidente que pienso que sin Aitana la obra no sería la misma, es la pieza clave. Pero es verdad también que todo a su alrededor está en consonancia, los actores, la escenografía, (me impactó cómo ese escenario que veis se transforma y nos muestra varias habitaciones de la casa), la versión de la obra hecha por Carme Portaceli, con un montón de frases intercaladas en italiano, que los actores manejan de maravilla, el montaje de vídeo para determinadas escenas que colabora y se integra con todo a la perfección...

No sé qué puedo decir más, me gustó mucho. Una obra completa.

Escenario antes de empezar la obra

Me impresiona pensar en lo difícil que debe ser conseguir que una obra de teatro quede como un todo perfecto, supongo que muchas veces ese pequeño añadido que la hace "completa" es cuestión de suerte y coincidencia, no sé, quizás... como dicen los expertos ese pequeño añadido varía en cada representación y todavía más... ¡en cada espectador!... ¡qué empresa tan arriesgada esto de hacer teatro! (y no estoy haciendo un chiste) 

Realmente me sorprende cuánta gente se dedica a esto y cuántas apuestas diferentes podemos encontrar, porque desde luego un mundo fácil no debe ser...

Si os apetece ver algunas imágenes de la obra:

Video Promocional de "La Rosa Tatuada"

"Reina Juana", la gran desconocida

"No he querido formar parte del mundo de los cuerdos"

Esta frase es la que aparece resaltada en el programa de la obra.
Por supuesto la dice el personaje, pero además, de una manera o de otra se insiste en ella a lo largo del texto. 
El personaje insiste también en que nunca quiso el poder máximo, que le correspondía y del que le apartaron su padre y su hijo, encerrándola en Tordesillas.
La realidad es que parece que llevó esta idea hasta sus últimas consecuencias pues el Movimiento Comunero la reconoció como soberana e incluso consiguió liberarla de su encierro, pero ella, que aparentemente les apoyaba, nunca quiso firmar ningún documento que legitimara la revuelta y que acabara con el reinado de su hijo Carlos.
Resumen de la historia: cuarenta y seis años encerrada, y Reina...

Escenario de la obra en el Teatro de la Abadía

Para mi, un montón de interrogantes. Un personaje infinito que yo creo que nos tiene intrigados. A estas alturas, incluso los que no son muy amantes de la historia, conocen un montón de detalles por las series y las películas, que lo único que hacen es intrigarnos todavía más. 
Yo quiero saber qué tenía en su cabeza... o al menos, recrearme en lo que se imagina alguien que haya estudiado al personaje. 
Y con esa expectativa fui al Teatro de la Abadía. La forma de la obra, un monólogo,  puede ser muy adecuada para expresar interioridades, reflexiones, sentimientos.

Pero aunque tiene momentos que me gustaron y el trabajo de la actriz creo que es bueno, se queda en contarnos de nuevo los hechos, y pienso que un monologo de Juana "la loca" puede dar mucho más de sí.

La actriz es Concha Velasco, se la ve muy mayor, y el trabajo que hace en el escenario es un esfuerzo grande, representando a una Juana de Castilla en su última etapa, que presionada por su hijo acepta confesarse, y habla y habla durante una hora y media.

El escenario, impactante, paredes de madera negra con una ventana que deja entrar apenas unas líneas de luz y una puerta gigante que la actriz abre de vez en cuando intempestivamente. Una cama, un reclinatorio y nada más.
Todo esto en la sala principal del Teatro de la Abadía, que para los que no lo conocéis es una pequeña capilla con las paredes pintadas de negro...

Se "intuyen" paredes y reclinatorio en el escenario

Hasta un cotilleo de la representación: el día que fuimos nosotros al teatro estaba entre los espectadores Nuria Espert, a la que Concha Velasco quiso saludar públicamente al terminar la obra, felicitándola por el Premio Princesa de Asturias que le acababan de dar y comentando el honor que para ella suponía que una actriz que ella había considerado siempre "una maestra" estuviera alli...

Cosas de los famosos...

Una comedia de Shakespeare en la Sala Verde de Los Teatros del Canal

Escenario de "Trabajos de amor perdidos"

Sólo una nota breve para contaros que la semana pasada vimos una comedia de Shakespeare, "Trabajos de amor perdidos". Dicen que es una de las primeras obras del autor, que la escribió hacia 1595.

Un entretenimiento que te hace reír de vez en cuando. A mi me resultó un poco larga.
No tenía ni idea de que Shakespeare hubiera escrito este tipo de obras.

Es una colaboración entre la Fundación Siglo de Oro y el Shakespeare´s Globe Theatre.

Un historia un tanto ridícula sobre el Rey de Navarra y tres de sus caballeros que deciden evitar el contacto femenino durante tres años para dedicarse al estudio y a la erudición... Como os imagináis les resulta imposible...

Mientras la estaba viendo pensaba todo el tiempo que estaba en una comedia de enredo de los clásicos españoles de aquellos tiempos.

El escenario, como veis en las fotografías, era un montaje curioso y bonito, en el que conseguían simular, la salas del palacio del rey, la cárcel, los bosques de alrededor...

Aprovecho para poner unas fotos de la Sala Verde de Los Teatros del Canal. 

Este Teatro tiene dos salas modernas, impactantes, y muy cómodas para los espectadores, la Sala Roja y la Sala Verde. Mi favorita es la Roja, pero la Verde es muy curiosa.

(La Roja aparece en la presentación de este blog)

Escenario de "Trabajos de amor perdidos"

Sala verde de Los Teatros del Canal, Madrid

Sala verde de Los Teatros del Canal, Madrid

Quisiera hablar de Federico García Lorca

Programa de la obra

Hace días que quería contaros de "Así que pasen cinco años" de Federico García Lorca, pero no sabía muy bien por dónde empezar.
Realmente no he leído a Lorca, conozco de él lo que conoce la mayoría, creo. Sí he visto sus obras de teatro más conocidas en unas cuantas versiones, Yerma, Bodas de sangre, La Casa de Bernarda Alba...

Pero esta temporada hemos visto dos, diferentes, extrañas se podría decir. He leído que él las llamaba su "teatro imposible", ahora los expertos las llaman "teatro surrealista". Son "Así que pasen cinco años" y "El Público".

Cuando en noviembre vimos "El Público" creo que no me enteré de nada, te imaginas cosas porque en el programa te dice que nos invitan a "introducirnos freudianamente en la cabeza de Lorca en un momento crucial de evolución artística y de crisis personal del poeta y dramaturgo", pero...
El escenario del Teatro de La Abadía lo habían transformado totalmente, los espectadores de la primera fila a la altura de los actores, la mitad del escenario una colina de piedras por las que los actores andaban con dificultad, y todo alrededor una especie de cortina de tiras plateadas. Impactaban los actores-caballos, actores desnudos que se movían realmente como caballos. Bastantes escenas inquietantes, desconcertantes. Frases como "Ya se han inventado las camas para dormir con los caballos".
Un trabajo duro para los actores.
Y un trabajo duro para el escritor, y mucho más para el escritor en los años 30. Sólo puedo pensar eso. Imagino mucho más fácil dar rienda suelta a tu mente, a tus interioridades cuando haces poesía que cuando haces teatro. Hace falta valor para escribir estas obras, y mucho más en los años 30.

"Así que pasen cinco años", a la que parece que Lorca subtituló "Leyenda del Tiempo", me ha producido una sensación totalmente diferente, me ha pasado una cosa rara. Mientras estaba en el teatro me parecía que entendía todo, bueno, no sé, no me lo cuestionaba. Había algo que te llevaba, pienso que sobretodo eran las palabras, sonaban como una melodía, con ritmo, frases preciosas, sí, de las que da gusto oírlas, que casi parece que lo de menos es lo que significan, aunque eso nunca sea verdad. Y por supuesto los actores que las dicen y la acción. Podría decir que la obra me pareció animada, ¿alegre? No sé, desde luego la obra alegre no es...
Carmen Gallardo, actriz principal dice "Es como si el propio Federico se mirara en un espejo y plasmara todos sus miedos, a la verdad, a la realidad, y también a la muerte, y por lo tanto a vivir. Casi todos los personajes son sus fantasmas"...
He leído ahora el argumento en Internet y no he entendido nada, me daba la risa... De hecho me parece una tontería intentar extraer el argumento de una obra así. Hay que leerla, o verla, que es para lo que está escrita.

Os copio un fragmento de una conferencia de F.G.Lorca en Nueva York en 1929 sobre poemas de "Poeta en Nueva York", que aparece en el programa de "El Público":

"...De todos modos hay que ser claro. Yo no vengo hoy para entretener a ustedes. Ni quiero, ni me importa, ni me da la gana. Más bien he venido a luchar. A luchar cuerpo a cuerpo con una masa tranquila. Y yo necesito defenderme de este dragón que tengo delante, que me puede comer con sus trescientos bostezos de sus trescientas cabezas defraudadas. Y esta es la lucha; porque yo quiero con vehemencia comunicarme con vosotros ya que he venido, ya que estoy aquí, ya que salgo por un instante de mi largo silencio poético y no quiero daros miel, porque no tengo, sino arena".

Como todo esto es teatro los actores son una pieza clave, claro, y en este caso la compañía se llama Atalaya. Esta compañía andaluza parece que se dio a conocer a nivel nacional al estrenar en 1986 esta obra por primera vez en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, con un éxito enorme.
(Les hemos visto también hace unos meses en "Madre Coraje" de Bertolt Brecht, y nos pareció una representación impecable).
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Os pongo los enlaces de los videos promocionales de las dos obras por si queréis tener una imagen.
Y también las páginas donde podéis encontrar más información por si os apetece.
Es interesante ver lo que hace la gente de Atalaya.

Vídeo de "Así que pasen cinco años"
Sobre "Así que pasen cinco años" y Atalaya

Video de "El Público"
Sobre "El Público" de Lorca, dirigida por Alex Rigola en el Teatro de la Abadía

La esperada "Numancia" de Miguel de Cervantes

Si, sí, tambíén voy a hablar yo de Cervantes.

La obra de Cervantes se llamaba "El cerco de Numancia", o "La Numancia". 

Esta obra de teatro es una versión de Luis Alberto de Cuenca y Alicia Mariño. 

Gola, o lo que suponemos que llevaba Miguel de Cervantes en su cuello

Un espectacular despliegue de medios, sobretodo mucho sonido y muy alto, y muchas imágenes, al principio incluso te pierdes entre imágenes y sonidos. Muchas actuaciones algo aparatosas y forzadas. 
Es verdad que es una tragedia y supongo que se quiere exagerar para impresionar, pero a mí me resultó demasiado. 

La historia es impresionante: los numantinos cercados durante años por los romanos, y sin posibilidad de negociar nada que no sea la rendición sin condiciones, deciden destruir su propia ciudad, matar a sus hijos y a ellos mismos para que cuando entren los romanos en la ciudad sólo encuentren... devastación...
Parece que no le hace falta nada a ese texto para resultar impactante, ¿no? 
Pero quizás por ser de Cervantes y en este año de homenajes se le ha querido adornar de tanto artificio que pierde fuerza. Te despista.

Respecto a los actores, me gustó especialmente, aunque hace un papel corto, Mélida Molina, como madre, su forma de decir y de moverse resultan sentidas y creíbles.
Pero no me gustó uno de los actores principales, Alberto Velasco, por demasiado estridente y repetitivo en toda su actuación. 

Respecto al texto de la versión, creo que le sobran las alusiones a nuestra realidad actual, no hacen la obra más interesante, ni más cercana.

Hay que decir que la vimos el día del estreno y supongo que hay muchas cosas que se van puliendo y mejorando día a día. 

Pero da pena que una obra que nos había generado tantas expectativas resulte como hueca. Creo que se podría decir eso tan tópico de que a veces menos es más.

Sí, María Pagés, ¿aunque no sea teatro?

Supongo que esto no entra estrictamente en un blog de teatro, pero quería comentarlo por si tenéis la oportunidad de verla. No dejéis pasar la ocasión, 

Programa actuación María Pagés en los Teatros del Canal de Madrid

Había oído hablar mucho de esta bailaora de flamenco pero nunca la había visto antes, y casi fui un poco a regañadientes pues tenía otras cosas de las que ocuparme y pensaba que tenían prioridad... Pero, resultó un rato excepcional. Me emocionó.

El principio parece un poco, no sé cómo decirlo, demasiado común, un baile con abanicos. Pero enseguida va cogiendo fuerza, ritmo y tiene momentos en los que te deja sin habla por la belleza de la coreografía, de verdad, una preciosidad.

Ella es un mujer grande, con algún movimiento puede dar la sensación que quizás demasiado grande, pero tiene algo cautivador. 

En "Yo, Carmen" bailan sólo mujeres, y por supuesto se nota que María Pagés es la protagonista, la principal, pero en muchas ocasiones eso queda totalmente difuminado, y eso me encantó también.

El espectáculo es el baile, claro, pero hay otras cosas igual de importantes, o más, no sé. 

La coreografía. También de María Pagés. A mí casi me pareció lo esencial. Consigue unas imágenes que son difíciles de explicar. Que emocionan. 

La música en directo, dos cantaoras y los músicos. Preciosa, adecuada. Entre ellos, un chelo... a veces tocando solo...que te llega al alma. También tiene algunos fragmentos de la ópera de "Carmen" que están grabados,  y que a mí no me gustaron tanto.

La letra. Poemas y cantes sobre mujeres. Y nos sorprende María Pagés cantando, o mejor dicho, narrando uno de ellos, irónico, actual. No sabría decir si es un rap o una chirigota de Cadiz (disculpas a los entendidos).

El vestuario. Sobretodo unas telas diferentes, pegadas al cuerpo de las bailarinas, para que se note todo. Y uno de los vestidos, muy especial, largo, larguísimo, con el que María juega de una forma casi perfecta.

Al final, estuvimos en el encuentro con el público de la artista. Sobretodo vimos a una mujer dulce, madura, fuerte. Dijo que esta Carmen no quería ser la Carmen de Merimée, quería ser cualquier mujer. Y otra cosa que me sorprendió, que en todas las versiones que se han hecho de la celebre "Carmen", ella nunca habla, en el sentido más amplio del término, siempre es otro el punto de vista que se relata... 

Para acabar sólo un trocito de "Alegrías de las amas de casa" de Belén Reyes, que se pueden oír en esta obra:

"Por no reventar

ya voy "reventaita"

Y vuelta a empezar sujetando el alma"

Si queréis echar un vistazo a la obra de la Compañía de María Pagés:

Canal en youtube de María Pagés

Un homenaje al grupo "Arte nuevo"

Hemos visto hace unos días una curiosidad, un par de obras cortas dirigidas por José Luis Garci: "Cargamento de sueños" de Alfonso Sastre, y "El hermano" de Medardo Fraile. 

Suelo de balcón 

Sí, suena extraño encontrarse a Garci dirigiendo teatro. Lo ha hecho rindiendo un homenaje a un grupo de teatro de la postguerra, "Arte Nuevo", que crearon en Madrid un grupo de jóvenes amantes del teatro, en 1945,  y que pretendía "la renovación total del teatro".
Querían hacer "teatro vanguardista", "que hiciera pensar". 
Después de algunos años "de accidentada vida" no pudieron hacer realidad su propósito de destruir el teatro comercial del momento, pero parece que nos dejaron "ciertas obras estimables que ellos mismos representaron, y el ejemplo de que era posible y necesario trabajar de otra forma en el teatro". Los nombres conocidos para mí de aquel grupo son Alfonso Sastre y Alfonso Paso, son los dos que continuaron escribiendo teatro, aunque por caminos muy diferentes.

Las dos obras de este homenaje se estrenaron en su momento en el salón de actos de un Instituto de Enseñanzas Medias de Madrid. 

Hamlet y mucho más

No me puedo imaginar cómo hoy a alguien del teatro se le ocurre hacer "Hamlet", y encima queriendo aportar algo diferente. 

Libreto de la versión de Hamlet de Miguel del Arco

El autor de esta versión y director del montaje, Miguel del Arco, en el comentario que hace en el programa de la obra dice: 

"Enfrentarse a Hamlet tiene algo de suicida, lo que no es una mala premisa de partida ni para mí, que soy un Kamikaze, ni para el Príncipe, cuya conciencia anhela en no pocas ocasiones darse muerte para dejar de sufrir..."

Parece que antes de empezar nos contesta a todos los espectadores que estamos pensando eso. 

Mi impresión es que he asistido a una obra grande, importante. 
Y no sólo por la obra de Shakespeare, que por supuesto, si no por todo el conjunto.

Tantas veces se loa el trabajo en equipo, y casi siempre parece que no nos lo acabamos de creer, que no lo acabamos de entender de verdad, pero cuando ves una obra así y no eres capaz de separar el valor de un trabajo del otro... y sientes que hay algo que te aporta un placer añadido, porque hay algo que suma y suma...entiendes que es eso, el conjunto, el equipo.
Los actores, inmensos, la mayoría muy conocidos por casi todo el mundo porque han salido en series de TV. Me encanta Daniel Freire, aunque no consiga verle como ese rey monstruoso al que representa, pero quizás más peligroso por eso; Angela Cremonte está perfecta como Ofelia, mostrándonos un montón de registros que no había imaginado en esa actriz tan dulce. Y claro, el protagonista, Israel Elejalde, Hamlet... ¡qué trabajo, qué desasosiego el de Hamlet, qué esfuerzo para el actor¡

La versión, la dirección, el vestuario, todo inmejorable. Pero con ello, apoyando todo y dándole muchísimo más valor, la escenografía, una preciosidad. 
Imágenes para retener y enmarcar, pero que no se quedan en eso, si no que van cambiando, aportando a cada escena casi tanto como el actor. 
Igual estoy exagerando, pero me pareció así. 

Foto del libreto, "Escenografía"

Un conjunto armonioso y perfectamente orquestado: los movimientos de los actores, la música, la palabra, las imágenes proyectadas en una pantalla que ocupa todo el fondo del escenario. 
Todo al compás. 
Y como resultado, un escenario lleno, completo, de principio a fin.

Supongo que en eso tiene mucho que ver el equipo de Kamikaze Producciones...

Sólo siento que no pudimos verla desde la primera fila como ya he comentado que nos gusta...

Han acabado este domingo en Madrid y empiezan una gira por un montón de ciudades españolas, si podéis verla... pero, ya sabéis, ¡a por la primera fila!

Foto del libreto, "Escenografía"